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LATIN BEAT: FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO EN NUEVA YORK Desde hace siete años la Film Society del Lincoln Center organiza, durante el mes de septiembre, el Latin Beat Festival que en esta ocasión comprendió 30 películas provenientes de 11 países latinoamericanos. Venezuela ha estado representada por La pluma del arcángel de Luis Manzo. Un film sugerente por su poder de evocar, con un lenguaje estilizado, la crueldad de las dictaduras, siguiendo la historia de un pueblo enclavado en el páramo andino. Basado en el cuento de Arturo Uslar Pietri, La pluma del arcángel nos traslada a un momento de la historia venezolana donde la mano invisible del caudillo movía los hilos de quienes, abusando de su poder, imponían su voluntad con mano férrea. Una cinematografía de gran belleza plástica sirve de contrapunto a la violencia que desencadena la llegada al pueblo de un "arcángel" quien, adoptando el rol de telegrafista, altera con sus mensajes el curso de los acontecimientos, creando a su vez un ambiente donde lo real y lo fantástico se unen, para iluminar la historia de sus habitantes. Otra película que conjura el poder de la memoria, pero para resaltar la pequeña historia, ha sido Valentín del argentino Alejandro Agresti. Aquí el caos y el asombro son vistos desde la perspectiva de un niño en el Buenos Aires de los años sesenta. Las observaciones de Valentín, quien desde la precocidad de sus ocho años sostiene exitosamente la trama, puntúan la diégesis del film, y dan entrada a otros caracteres cuyas vidas giran en torno a él: alter-ego en parte del propio director, quien enfatizó el tono autobiográfico de su película. Un trabajo de cámara que privilegia el uso del plano-secuencia con la voz en off de Valentín, contribuye a crear el ambiente de nostalgia donde transcurre el relato fílmico, puesto a resaltar los fracasos y triunfos que los personajes experimentan, en su intento por reconstruir desde los restos la imagen de una auténtica familia. La simulación llevada a la irrisión tragicómica del estamento familiar, tiene en El sueño del caimán del mexicano Beto Gómez su expresión mas certera. Aquí un joven ladrón español, siguiendo los pasos de su padre, huye a México donde se reencuentra con éste; y acaban planeando juntos el robo a un banco, en complicidad con varios miembros de la familia alternativa que el padre ha encontrado en el nuevo mundo. Todos viviendo como pensionistas en casa de un travesti de mediana edad y sus dos sobrinas casaderas. Rodada en blanco y negro, homenaje quizás al melodrama de la época de oro del cine mexicano y a las comedias negras que Buñuel filmó en esos años, esta película consigna, en la figura del joven protagonista, el desplazamiento que la nueva generación sufre a ambos lados del Atlántico, ante la falta de oportunidades dentro del mercado laboral. Ello sin caer en posturas moralizantes; pues aquí se reivindica más bien el poder lúdico de la imagen en situaciones límite, que a veces nos llevan al lugar correcto por senderos imprevistos. Tal cual apunta uno de los personajes: "dicen que mentir no es bueno, pero la mentira nos puede llevar por caminos que de otra manera no hubiéramos tomado". Tal es el tema de la comedia El destino no tiene favoritos del peruano Alvaro Velaverde. Esta divertida parodia se centra en el cambio de vida que una rica y reprimida ama de casa experimenta cuando su marido, antes de emprender un viaje de negocios, cede el jardín de su mansión para el rodaje de una telenovela. Del esnobismo que la lleva a ella en un principio a aislarse en su cuarto, pasa a formar parte del elenco hasta convertirse en la protagonista del serial y transformar su propia vida en una telenovela. Con un excelente trabajo actoral y una cuidada cinematografía donde se alude al hiperreal, desde Ernst Lubitsch hasta Pedro Almodóvar, pasando por Douglas Sirk, Velaverde sorprende por su capacidad de crear un film que fluye sin obstáculos, al tiempo que elabora una aguda crítica al clasismo de nuestras sociedades. Otra crítica, pero a la falta de compromiso de ciertos jóvenes, subyace en Sábado del argentino Juan Villegas. Aquí tres parejas, con poco que decirse entre sí, se separan y entrecruzan en una desolada tarde de sábado porteño, intentando escapar a la monotonía de sus respectivas vidas. Un guión ágil puntúa los encuentros y desencuentros, dentro de secuencias que constituyen mini-programas, pues una arrastra a la otra hasta la clausura, que significa el regreso a la secuencia inicial. La circularidad del film viene acentuada por el uso de un montaje fragmentario donde ciertos objetos, gestos, diálogos, se reiteran de una escena a otra; y que el plano fijo resalta, al encuadrar momentos de los personajes en busca de ese elusivo "algo" que podría ser el escape al tedio que los asfixia. Al otro extremo del espectro, destacaron en Latin Beat trabajos comprometidos con la realidad social y política del continente. Entre ellos, Rocha que voa: documental de Eryk Rocha acerca del tiempo que su padre Glauber pasó en Cuba, al haber tenido que exilarse de Brasil en 1971, como consecuencia de la censura impuesta por la dictadura a sus películas. Este documental, homenaje al fundador del Cinema Novo, yuxtapone en el montaje planos de sus películas, entrevistas a quienes participaron de su tiempo en Cuba, y declaraciones del propio cineasta acerca de la importancia del cine como herramienta para producir un cambio político y social. Ello en un tiempo cuando el comunismo parecía marcar el camino correcto para acabar con las injusticias que el capitalismo ha sembrado en el mundo. Francisca de la mexicana Eva López-Sánchez igualmente aborda ese período de la historia latinoamericana, desde la violencia policíaca contra el movimiento estudiantil que desembocó en la masacre de Tlatelolco. Aquí una joven revolucionaria se enamora, sin saberlo, de un ex informante de la policía secreta alemana, quien es obligado, bajo amenaza de deportación, a espiar para el gobierno mexicano, a fin de delatar a los cabecillas del movimiento universitario. Una cuidada cinematografía se combina con escenas que documentan la brutalidad de la policía, mediante un ágil montaje donde el suspenso se crea alternando la mirada de los personajes, a la manera de Hitchcock. Destaca igualmente la atmósfera onírica que envuelve los planos donde la directora resalta el conflicto de la relación entre la estudiante y el informante, y el sujeto-espectador se inscribe en el interior del sistema representativo, como si participara del mismo espacio. Tal complicidad entre el espectador y la imagen alcanza su expresión más certera en La primera noche del colombiano Luis Alberto Restrepo. Aquí se denuncia la victimización del campesinado, a merced de las luchas entre la guerrilla y el ejército colombiano, desde la historia de dos jóvenes y sus hijos, sobrevivientes a la masacre de que fueron víctima los habitantes de su aldea. El miedo y la desesperación los impulsa a huir a la capital, donde serán igualmente víctima de otro tipo de violencia: la violencia urbana. Utilizando la ténica del flashback y un montaje que privilegia los planos cortos, el film de Restrepo mimetiza, técnicamente, el estado anímico de los personajes, desplazándose con rapidez entre la brutalidad del presente, y la del pasado que dejaron atrás. Alegoría ésta de la profunda desesperanza en la cual sigue sumergido nuestro continente, y a la que las películas reunidas en este Festival nos acercan con lucidez e inteligencia. FRANCISCA VALENTÍN EL ULTIMO TREN SÁBADO ROCHA QUE VOA LA PLUMA DEL ARCANGEL EL SUEÑO DEL CAIMÁN Alejandro Varderi